Il movimento macchiaiolo e i suoi esponenti

Il Macchiaiolo Giovanni Fattori e l'opera "La rotonda di Palmieri"

Giovanni Fattori, esponente di spicco del movimento macchiaiolo, realizzò nel 1866 "La rotonda di Palmieri", un dipinto che incarna lo spirito innovativo di questa corrente artistica italiana. L'opera, di dimensioni contenute, fu eseguita su un supporto inusuale: il coperchio di una scatola di sigari. Rappresenta un gruppo di donne dell'alta società livornese, ritratte in abiti dell'epoca mentre conversano su una terrazza circolare presso i bagni Palmieri a Livorno. Fattori, con una scelta stilistica audace, rinuncia alla definizione dei dettagli dei volti, concentrandosi sull'effetto della luce solare che ne sfuma i contorni. La tecnica impiegata è quella delle "macchie" di colore, che alternano tonalità chiare e scure, conferendo all'immagine un aspetto completo a distanza, ma rivelando una composizione quasi astratta da vicino. La luminosità intensa e l'uso innovativo del colore, che assume un ruolo formale piuttosto che accessorio, riflettono un nuovo modo di interpretare la pittura, tipico dei macchiaioli.

La complessità tecnica dietro la semplicità di "La rotonda di Palmieri"

Nonostante l'apparente semplicità e spontaneità, "La rotonda di Palmieri" è il risultato di un processo artistico complesso e riflessivo. Fattori non dipinse l'opera en plein air, ma la elaborò in studio, basandosi su osservazioni dirette, studi preparatori e revisioni successive. Questo metodo di lavoro sottolinea la ricerca di una rappresentazione semplificata ma densa di espressività. A differenza dei contemporanei impressionisti francesi, che tendevano a eliminare il contorno, Fattori lo utilizza per delineare le aree di colore, ottenendo un effetto di chiarezza e distinzione tra le zone cromatiche. Secondo gli storici dell'arte Corrado Maltese e Giulio Carlo Argan, questa tecnica rappresenta un approccio innovativo in cui il disegno non è il punto di partenza, ma il risultato che organizza e sintetizza le impressioni cromatiche e luminose.

Silvestro Lega e la sua "trilogia poetica"

Silvestro Lega, altro importante rappresentante del macchiaiolo, dopo una formazione accademica a Firenze, si avvicinò alla pittura di genere influenzato dall'ambiente del Caffè Michelangelo e dall'amicizia con altri artisti del movimento. Trasferitosi a Piagentina nel 1861, Lega realizzò tre opere fondamentali, note come "trilogia poetica": "Il canto dello stornello", "La visita" e "Il pergolato", dipinte tra il 1867 e il 1868. Queste tele riflettono la vita borghese dell'epoca, con un'attenzione particolare ai valori familiari e alla rappresentazione degli affetti. Lega, con un uso sensibile del colore e della luce, riesce a trasmettere un senso di serenità e intimità, ritraendo scene di vita quotidiana con una delicatezza lirica e un'attenta osservazione della realtà.

Analisi e interpretazione della "trilogia poetica" di Lega

Nella "trilogia poetica", Lega esplora la vita quotidiana con una profondità emotiva e una precisione descrittiva notevoli. "Il canto dello stornello" ritrae tre donne, probabilmente della famiglia Batelli, che cantano insieme in una stanza illuminata dalla luce naturale. L'atmosfera di intimità domestica è resa con una sensibilità quasi fotografica. "La visita" illustra un caloroso incontro familiare in un ambiente invernale, dipinto con grande maestria. "Il pergolato" cattura un momento di relax in una casa di campagna, con figure femminili che conversano sotto un pergolato. La luce che filtra attraverso le foglie crea un suggestivo gioco di ombre e luci, evidenziando la capacità di Lega di rappresentare gli effetti atmosferici e la luce naturale. Queste opere, pur contenendo elementi biografici, acquisiscono un valore universale, celebrando i piaceri semplici della vita borghese del XIX secolo.