La scena artistica di New York negli anni '70 e '80

Il Pluralismo Estetico e la Scena Artistica degli Anni '70 e '80

Durante gli anni '70, la scena artistica di New York era caratterizzata da un vivace pluralismo estetico, con una varietà di espressioni artistiche che includevano arte concettuale, performance, pittura e scultura. L'Avant Garde Festival of the Arts del 1978 è un esempio emblematico di questa diversità, presentando un'ampia gamma di opere e attività artistiche. In particolare, Lower Manhattan divenne un laboratorio di sperimentazione artistica, dove l'arte era diffusa e non sempre legata al mercato commerciale. Il critico Alan Jones notò che, nonostante la presenza di numerose opere, non vi era un'enfasi sulla vendita, suggerendo un orientamento della scena artistica più verso la creazione che verso il commercio.

La Persistenza della Pittura e la Sua Evoluzione

Nonostante le apparenze, la pittura non era scomparsa dalla scena artistica degli anni '70, ma aveva continuato a evolversi. Artisti astrattisti, minimalisti e pop avevano mantenuto viva la tradizione pittorica, mentre nuove tendenze come il fotorealismo e il pattern painting in America, insieme a movimenti europei come la Support-surface in Francia e la "nuova pittura" in Italia, avevano rinnovato l'approccio alla pittura. L'arte concettuale, piuttosto che eliminare la pittura, ne aveva influenzato lo sviluppo, come dimostrato dalle opere di artisti come Jonathan Borofsky e Mario Merz. Molti artisti, pur avendo apparentemente abbandonato la pittura, continuavano a praticarla privatamente, esplorando nuove possibilità espressive.

La Rinascita della Pittura negli Anni '80 e il Boom del Mercato Artistico

Gli anni '80 furono testimoni di un rinnovato interesse per la pittura figurativa e di un ritorno al centro del mercato dell'arte. Questo periodo fu caratterizzato da una speculazione intensa nel mercato dell'arte, stimolata dalla politica economica di Reagan, nota come Reaganomics. L'arte contemporanea divenne un investimento attraente, e il mondo dell'arte newyorkese rispose con entusiasmo a questa nuova domanda. Il valore delle opere d'arte aumentò notevolmente, come evidenziato dall'acquisto da parte del Whitney Museum dell'opera "Three Flags" di Jasper Johns per un milione di dollari. Artisti come Cindy Sherman videro i prezzi delle loro opere salire vertiginosamente, consolidando l'arte contemporanea come un bene di lusso e un oggetto di speculazione finanziaria.

L'Artista come Profeta e la Sacralizzazione dell'Arte

La rinascita della pittura negli anni '80 non fu solo una questione di tecnica, ma anche di percezione sociale dell'arte e dell'artista. Musei e gallerie furono nuovamente percepiti come spazi sacri, e l'artista come un profeta che offre la sua opera come una reliquia. Questa visione rinnovata dell'arte ripristinò una certa distanza tra l'artista e il pubblico e rafforzò il concetto di "capolavoro" all'interno di nuove condizioni sociali. Nonostante l'idea dell'Autore fosse stata messa in discussione, il suo residuo culturale era sufficiente per mantenere un certo prestigio e una distinzione rispetto al passato.

La Pittura Figurativa e le Identità Nazionali

Il rinnovato interesse per la pittura figurativa degli anni '80 si manifestò su diversi livelli, includendo la continuità del lavoro di artisti degli anni '30, la "svolta" pittorica di alcuni artisti minimalisti, il recupero dei maestri attraverso retrospettive e l'emergere di una nuova generazione di pittori. Quest'ultima fu particolarmente legata al recupero delle identità nazionali e alla riabilitazione di lessici locali, in contrasto con anni di dominio di modelli artistici sovranazionali. In Germania, il neoespressionismo dei Neue Wilden e la Heftige Malerei riflettevano un'intensa esplorazione della storia e dell'arte tedesca, ricollegandosi a tradizioni espressive locali e promuovendo un'espressione artistica più identitaria e radicata nel contesto nazionale.