L'Estetica Moderna e il suo Evolversi

Rinascimento e Umanesimo: Culla dell'Estetica Moderna

Il Rinascimento e l'Umanesimo segnano l'alba dell'estetica moderna, con un'arte che si afferma come sfera autonoma, valorizzando la perizia tecnica e il genio creativo. In questo contesto, la "Poetica" di Aristotele riacquista centralità, dopo essere stata trascurata nel Medioevo, e la "Metafisica" diventa oggetto di profonda riflessione. La riscoperta e la traduzione di testi classici, unitamente al pensiero di figure come Leon Battista Alberti, Marsilio Ficino e Giordano Bruno, contribuiscono a ridefinire l'immagine dell'artista, ora visto come un creatore autonomo, simile al demiurgo platonico. L'arte diventa un mezzo per accedere alle idee platoniche, alle forme ideali, segnando un distacco dalla visione metafisica medievale e ponendo l'accento sull'originalità e la capacità di infrangere le convenzioni.

Autonomia Creativa e Ingegno nell'Estetica Barocca

Il Barocco, evoluzione del Rinascimento, enfatizza ulteriormente l'autonomia dell'artista, distaccandolo dalla figura del tecnico e dello scienziato, e pone in risalto l'importanza dell'immaginazione e della libertà creativa. Nel XVII secolo, l'ingegno, l'arguzia e il wit diventano elementi chiave dell'estetica barocca, celebrando la capacità dell'artista di suscitare stupore e di evocare una sublime esaltazione poetica. Si assiste anche a un dibattito sulle regole dell'arte, con alcuni che, pur nel contesto barocco, si rifanno al classicismo, valorizzando l'originalità e la grandiosità.

L'Impatto di Cartesio e Leibniz sull'Estetica

Nel XVII secolo, filosofi come René Descartes e Gottfried Wilhelm Leibniz influenzano il pensiero estetico con le loro teorie sulla conoscenza. Descartes, con il suo metodo di dubbio metodico, fonda la filosofia moderna sul principio del "cogito, ergo sum", affermando l'indubitabilità del pensiero. Tuttavia, egli considera l'immaginazione un ambito meno affidabile per la ricerca della verità, data la sua connessione con la corporeità. In contrasto, Leibniz attribuisce valore alla percezione sensibile, anche quella meno chiara, come mezzo di conoscenza, e introduce il concetto di "piccole percezioni", fondamentali nell'interazione con l'universo.

Il Gusto e il Genio nell'Estetica del XVII Secolo

Nel Seicento, il gusto si afferma come criterio di mediazione tra l'aspetto soggettivo e quello oggettivo dell'arte. Il genio artistico viene associato a doti come il sentimento, la fantasia e l'intuito, diventando un argomento centrale nel dibattito estetico. Critici d'arte come Giovan Pietro Bellori, nell'opera "L'idea del pittore, dello scultore e dell'architetto", sottolineano l'importanza di un ideale di bellezza che trascenda la mera imitazione della natura, guidando l'artista verso la creazione di opere che incarnino un modello di perfezione.

Classicismo vs. Modernità nella Querelle des Anciens et des Modernes

La Querelle des Anciens et des Modernes, che si sviluppa in Francia alla fine del XVII secolo, vede contrapposti i difensori del classicismo, che propugnano un ritorno ai canoni antichi, e i modernisti, che sostengono l'innovazione e il progresso. Personalità come Charles Perrault e Nicolas Boileau emergono come figure chiave in questo dibattito, che riflette la tensione tra la celebrazione dell'ingegno e la ricerca di un ordine estetico basato su principi razionali. La querelle mette in luce la dinamicità del discorso estetico e l'evoluzione dei concetti di bellezza e genialità artistica.